Indiana Jones and the Kingdom of the Crystall Skull

Com ja sabeu, no és habitual que penje fotografies de pel·lícules que encara no s’han estrenat al meu blog, però ja vaig fer una excepció amb aquest mateix motiu, i és que em sembla que totes les novetats sobre el millor aventurer de tots els temps ho mereixen. Ací vos presente tres noves fotos d’Indiana Jones.
Als noms de repartiment coneguts, com els de Shia Le Beouf i Karen Allen, s’hi afegeixen alguns nous, com ara els de Ray Winstone (d’actualitat per ‘Beowulf’), Cate Blanchett (com a malvada de la funció), John Hurt o Jim Broadbent.

El títol sembla que ja està confirmat de la ma de Shia Le Beouf, a quí li se va escapar en una entrevista. Es tracta de ‘Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull’, o una cosa així com “Indiana Jones i el Regne del Crani de Cristall”.

Per a acabar, dir-vos que el tràiler està preparat per a eixir el dia de la Super Bowl. En España haurem d’esperar una miqueta més. I la data d’estrena és el 22 de maig del 2008. Paciència…

Stardust

2007, Fantàstic. Dir: Matthew Vaungh. Guión: M. Vaungh y Jane Goldman. Música: Illan Eskheri. Int: Rick Gervais, Clare Dannes, Robert De Niro Michelle Pfeiffer, Peter O'Toole.

M’encanten aquestes històries... M’agrada creure en què l’amor verdader és la força més gran de la vida i que és el motor que mou el món. M’agraden les aventures fantàstiques, encara que alguns pensen que són per a xiquets (i probablement ho siguen…). M’agrada vore a un jove normal convertit en un heroi mític. Que no necessite fer-los passar una mala estona als que a l’inici li l’han feta passar a d’ell, ja que al final, no ha de demostrar-li res a ningú. M’agraden els mons fantàstics, ben creats, que il·luminen l'escena de forma especial. Aleshores, quan trobe una història que combina tot açò, es precís que m’il·lusione.
Stardust és una d’aquestes històries. Ens narra la vida d’un jove botiguer, que per amor a una dona creua el mur que limita la fantasia amb la realitat per introduir-se plenament en un món de somnis. En ell trobarem reis, princeses, fantasmes (dels dos tipus), bruixes, pirates, endevinadors, unicorns i fins i tot, estels amb vida pròpia... L’aventura ens narra un viatge iniciàtic, com en quasi tots aquestos casos, en el qual el personatge protagonista anirà creixent com a persona i com a heroi, progressivament, en funció de les influències dels altres personatges que apareixen al film.
Si podem criticar alguna cosa, tal vegada siga la poca personalitat de l’heroi del film, Ricky Gervais. Malgrat la seua evolució dins de l’obra potser aquest siga l’únic que no convenç de tot el repartiment. Ja que des de la seua partenaire/estel Claire Dannes, fins a la majoria dels secundaris entre els quals trobem ni més ni menys que a Peter O’Toole, Rufus Sewell i Sienna Miller, entre d’altres, cal dir que tot el repartiment realitza una excel·lent interpretació. Menció especial per a mi requereixen dos actors. En primer lloc, Robert DeNiro, que confirma ací que sap adaptar-se a qualsevol paper que li se propose, des del pirata més cruel fins a un afeminat que s’amaga en un món de salvatges. Tot açò amb el seu toc personal.

I per suposat Michelle Pfeiffer.

He de dir que no és una de les meues actrius preferides, però ací és impossible no reconèixer que està magnífica. Es tracta d’un paper genial per a ella, ja que és una bruixa molt envellida que es tornarà jove mijançant un enacnteri. Aquest fet li permetrà lluir tot el seu esplendor, i aprofitar la seua impressionant bellesa que la convertirà en un dimoni totalment encisador.
En fi, ja us dic que a mi, m’agraden especialment aquestes històries. Així que tal vegada no siga el més indicat per a jutjar. I és que fins i tot ara, quan ja fa vint anys de la seua estrena, encara veig amb molta estima i nostàlgia La Princesa promesa de Rob Reiner. I tal vegada Stardust siga la seua bessona en la primera dècada del segle XXI.

[REC]

2007, Terror. Dir: Jaume Balagueró y Paco Plaza. Guión: Balagueró, Plaza y Luis Berdejo. Int: Manuela Velasco, Vicente Gil, Pablo Rosso...

La última película de Jaume Balagueró y Paco Plaza nos narra una historia del terror impactante narrada por medio de los mecanismos de la televisión. Resulta que un equipo móvil del programa televisivo Mientras usted duerme se desplaza a un cuartel de bomberos para contarnos la historia de una noche normal dentro de la rutina del cuerpo. Los problemas empiezan cuando se recibe una llamada desde una casa vieja en la que una mujer mayor parece que ha enloquecido y está escandalizando a todos los vecinos. La sorpresa llegará cuando tanto los bomberos, como la policía, que ya está allí, y el equipo de TV se den cuenta de que el comportamiento de la mujer no es nada normal, ya que les recibe por medio de un violento ataque. La situación se complica cuando huyendo de la mujer llegan al rellano de la escalera y se les prohíbe salir del edificio por su propia seguridad.
Así pues encontraremos a un grupo de personas encerradas en un espacio reducido con una gran amenaza al acecho. Este mecanismo cinematográfico, es algo bastante utilizado en el cine de terror (lo hemos podido ver en Alien el Octavo pasajero entre otras muchas películas). Además, el hecho de unas personas que atacan violentamente a quien se les aproxima ha aparecido recientemente en 28 días después de la mano de Danny Boyle y en su genial secuela 28 semanas después dirigida de forma escepcional por el español Juan Carlos Fresnadillo. Con esto quiero decir, que la película innova únicamente en el aspecto de que todo lo que vemos se muestra a través de la cinta y sus imágenes registradas por la cámara de televisión (y no del todo, ya que este hecho también tenia un precedente en la conocida y polémica El proyecto de la Bruja de Blair)

Aun así, hay que decir que el resultado que obtienen los directores es muy bueno. De hecho el film ha conseguido numerosos premios en el Festival de Cine Internacional de Sitges. Y su objetivo de producir terror está sobradamente conseguido. La gente siente realmente pánico en la sala, de hecho, se han colgado videos en you tube mostrando las reacciones del público durante el visionado del film. Y las sensaciones de pánico entre la gente son espeluznantes. Si le pongo una única pega es el tipo de terror que trata. Al centrarse en impactos breves y repetidos, la película se hace un poco previsible pese a la dureza de sus imágenes. Para mi, siempre es más inquietante el terror psicológico de obras como Al final de la escalera, El sexto sentido o Los otros. Pero esto es una cuestión personal y de gustos.
En resumen, un buen producto que me crea una sensación semejante a la que tuve cuando vi otro film de Balagueró. Concretamente fue Darkness. La película me creó unas importantes expectativas respecto a lo que iba ver, y mi sensación al salir de la sala fue un poco la de decepción. Con Rec estamos ante una buena película de género, que cumple sobradamente sus intenciones, pero que en mi opinión no pasará a la historia como otros clásicos del mismo tipo ya lo han hecho.

Encantada. La historia de Giselle

A petición del público.

2007, Romántica. Dir: Kevin Lima. Guión: Billy Kelly. Música: Allan Menken y Stephen Swartz. Int: Amy Adams, Patrick Dempsey, James Mardsen, Susan Saradon.
Supongo que a los lectores habituales de este blog les sorprenderá la aparición de esta crítica, pero se dan diversas circunstancias, que hacen que me ponga a escribir estas letras en relación a este film.
Con la Disney de fondo, Encantada nos cuenta la historia de Giselle, un personaje creado con lápiz y papel que se enamora de un príncipe, y cuando está a punto de casarse con él, se verá enviada a nuestro mundo real, de carne y hueso, por la mano de la malvada madrastra del príncipe en cuestión. Todo esto con el objetivo de que la joven no pueda acceder al trono y relegar así al olvido a la madrastra.
Una vez en nuestro mundo, la joven princesa Giselle se verá envuelta en una serie de situaciones tópicas que la llevarán a enamorarse de un humano real y de la pequeña hija de este. Así pues, cuando su príncipe azul venga a rescatarla, la sorpresa de éste será que la joven se ha olvidado de él, y que le atrae más nuestro mundo sin príncipes al uso y con citas normales para salir, bailar, cenar y conocerse. Todo esto, adornado con un par de números musicales (geniales los negros del parque) al estilo de los films animados de la Disney, nos traerá una película sencilla que emocionará a más de uno y que divertirá tanto a mayores como a pequeños haciéndonos salir del cine un poco más niños de lo que realmente somos. Ahora bien, en Encantada vi un paralelismo que me gustaría reflejar aquí. Y nada más y nada menos que es con la que se considera la mejor obra de la historia de la literatura: El Quijote, de Miguel de Cervantes. Y es que al colocar al personaje mágico de Giselle en un mundo real como el del Manhattan de hoy en día, las situaciones que se dan son cómicas y similares a las que obtuvo Miguel de Cervantes al colocar a su caballero andante en la España del siglo XVII. Y más aun, cuando al final del film, la joven va a parar a una fiesta en la que todos van disfrazados de príncipes y princesas, menos ella, que después de haber ido vestida así todo el film, aparece con un vestido de noche de lo más normal. Y es precisamente en esa escena donde se convierte en una mujer real.
Así como al final de la novela de Cervantes, Don Quijote se acercaba a la realidad “Sanchizandose”, queriendo regresar al hogar y abandonando sus correrias, y Sancho se aproximaba al mundo de la fantasía “Quijotizandose”, con su intención de volver a salir al mundo en busca de aventuras, en Encantada diremos que nuestra realidad se aproxima al mundo fantástico de magia y princesas de la Disney, y que la joven Giselle, se acerca a nuestra realidad pura, dura y cotidiana la de las relaciones de pareja y la de nuestra vida.
Un paralelismo que no deja de ser muy interesante en un film que ofrece lo que se le pide. Ni más, ni menos.

Diálogos para el recuerdo: Doce del patíbulo

1967, Bélica. Director: Robert Aldrich. Guión: Nunnally Johnson. Música: Frank De Vol. Int: Lee Marvin, John Casavettes, Charles Bronson, Robert Ryan.
En 1967, Robert Aldrich se pondría al frente de uno de los proyectos más ambiciosos de la historia del cine bélico. Su objetivo fue reunir un espectacular plantel de actores, para narrar una apasionante historia enmarcada dentro de la segunda guerra mundial.
El mayor Reisman presencia una ejecución. No es el tipo de actos que le satisface ver, pero sus deberes como oficial de la armada le obligan a esto y a algunos desagradables actos más. Ahora bien, su sorpresa llegará a la salida del patíbulo. Allí le esperan un grupo de oficiales superiores que le tienen reservada una misión especial. En primer lugar, tendrá que reclutar un grupo de convictos y condenados a muerte, a los que se les dará su última oportunidad de liberarse y reinsertarse en la sociedad. El pago que deberán ofrecer a cambio de esto será el de una misión suicida. En primer lugar seis semanas de entrenamiento intensivo con salto en paracaídas incluido. El objetivo de este duro entrenamiento será el asalto de una fortaleza nazi con el fin de acabar con la vida del mayor número posible de oficiales enemigos.
Reisman, no se rebela. Ya lo ha hecho otras veces y sabe que no sirve de nada. De ahí su expediente repleto de inútiles insubordinaciones. Sabe que le han dado una asquerosa misión, pero se sentirá honrado de llevarla a cabo de una forma excelente.
Lee Marvin se ponía al frente de esta historia en el que seria uno de los más grandes retos de su carrera. A su lado, del lado de los presos, hallaremos actores geniales, de la talla de Charles Bronson, Telly Savalas, Donald Sutherland o un extraordinario John Cassavettes en un papel construido a su media, por su rebeldía y descaro. Y del lado de los oficiales norteamericanos, podremos encontrar a los magníficos Robert Ryan y Ernest Borgine.

En este film cabe todo, excelentes actuaciones (como la de John Cassavettes, que fue premiada con una nominación a los Oscars), duelos interpretativos, de personalidad y de ego memorables (como el de Lee Marvin con Robert Ryan), momentos de amistad y compañerismo (como cuando todos ayudan a Bronson), malos que se convierten en buenos cuando aparecen los malos de verdad, y hay incluso lugar para el humor (con la genial escena en la que Donald Sutherland se hace pasar por general, momento inigualable que me atrevo a calificar como uno de los mejores de toda su carrera).
Una obra completísima, que fascina a quien la ve, y que mantiene su frescura y genialidad, aun hoy en día, 40 años después de su rodaje.

Diálogos para el recuerdo: Pulp Fiction

1994, Policiaco. Dir: Quentin Tarantino. Guión: Quentin Tarantino y Roger Avary. Música: Varios Interpretes (Urge Overkill, Chuck Berry,...) Int: John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis...

En 1994, Quentin Tarantino iba a convertirse en l’Enffant Terrible de Hollywood. Y la culpa de esto la tuvola que hasta ahora está considerada su mejor película tanto por público como por crítica. Hablamos nada más y nada menos que de Pulp Fiction.
Un par de años antes el joven director había estrenado Reservoir dogs, sorprendiendo con ella a todo el mundo y obteniendo los principales galardones del festival de Sundance, de Toronto y de Sitges entre otros muchos.
Tres historias se entrecruzan a lo largo del film, en el que podremos ver mezclarse a matones, camellos, asesinos, drogadictos, mafiosos, sodomitas y gangsters, entre una abundante fauna norteamericana. Dichas historias estaban escritas por el puño y letra del propio Tarantino, y por el de su socio en aquel momento Roger Avary.
Y les otorgarían nada menos que siete nominaciones a los oscars, de las cuales solo conseguirían la estatuilla a mejor guión original. También ganaron la palma de oro en el festival de Cannes y hasta 40 premios más en otros certámenes junto a numerosísimas nominaciones.
Resulta muy curioso que en una película, que reunía nombres tan llamativos como el de John Travolta (resucitado cual ave fénix de sus propias cenizas), Bruce Willis, Uma Thurman, Harvey Keitel o Samuel L. Jackson, el nombre que más sonara fuera el de su director.
Nadie sabe cual es el ingrediente que esconden los films de Tarantino y que los hacen triunfar. Quizás sea, la frescura y originalidad de sus diálogos, o posiblemente la cotidianidad con que hablan sus gangsters. Tal vez sea la dureza de su violencia, o una conjunción de todas las anteriores. El caso es que estas películas gustan.

El publico ya quedó fascinado con su opera prima Reservoir dogs y con la obra que tratamos hoy. Después vendrían, tras un breve episodio de Four Rooms y diversas apariciones como actor en numerosos films, Jackie Brown y las dos partes de Kill Bill. Recientemente, nos ha presentado Death proof, su episodio dentro del proyecto conjunto Grindhouse. Pero hay que decir, que entre el público ya no ha tenido el éxito de sus predecesoras, por no hablar de la crítica, en la que ya hace tiempo va forjando opiniones dispares.
¿Se habrá acabado ya la capacidad de creación de este genio? O por el contrario, ¿podremos volver a ver obras tan geniales como la que nos ocupa hoy? Estas respuestas solo él mismo las sabe. Tengamos fe…

Diálogos para el recuerdo: Pat Garret & Billy the Kid

1973, Western. Dir: Sam Peckinpah. Guión: Rudy Wurlitzer. Música: Bob Dylan. Int: James Coburn, Kris Kristofferson, Bob Dylan, Jason Robards.

Hoy hablamos del que quizás, con el respeto de Grupo Salvaje, sea el western más representativo de la carrera de Sam Peckinpah.
Crepuscular desde su primer minuto, nos narra los últimos dias de dos personajes históricos, de dos amigos, que por circunstancias de la vida se verán enfrentados en una caza cuyo punto final será la muerte.
William Boney, más conocido como Billy the Kid y Patrick Garret, combatieron juntos en el conflicto del rio Pecos de la mano del ganadero John Chisum. Poco después de aquello, la vida los separaría, poniendo a Garret del lado de la ley y a Billy del de la delincuencia, el robo y el asesinato. Esto les abocaría a un enfrentamiento predestinado. Y más aun, cuando los hombres de Santa Fé contrataron a Pat Garret con el único fin de apresar a Billy, o de acabar con su vida.
Peckinpah bordaría la adaptación de esta leyenda al reflejar en ella el conjunto de las obsesiones que forjaron su carrera: La dureza, la melancolía, la amistad y por encima de todas ellas, la violencia. Una violencia que aun hoy en día impacta por su crudeza. Su potencia visual es de una fuerza impresionante y nos atrae desde su primer minuto, del modo en que solo el viejo mestizo de Peckinpah sabia hacer. También sus personajes nos seducen, los dos. Por un lado Garret, interpretado magistralmente por James Coburn (quizás en el mejor papel de su carrera), que nos muestra como el mito está envejeciendo y el motivo por el cual decide unirse a la ley, incluso para acabar traicionando a su amigo. Y por el otro a Billy, un magnífico Kris Kristoffersson en el que fue su debut, mostrando la crueldad y la dureza de un personaje que al mismo tiempo es realmente humano y que nos resulta tremendamente atractivo desde el inicio del film. Todo ello con un hilo musical de fondo compuesto por el mismísimo Bob Dylan, que coincide con la imaginaria del film de una forma espectacular y cuyo buque insignia es nada más y nada menos que Knockin’ on a heavens door, uno de sus temas más conocidos.
En fin, un film excepcional, una obra maestra con el sello de Peckinpah impregnado, que hará disfrutar a todos los fans del western en general, y a los del director en concreto, con su crudeza y realidad como principal bandera.