Indiana Jones and the Kingdom of the Crystall Skull

Com ja sabeu, no és habitual que penje fotografies de pel·lícules que encara no s’han estrenat al meu blog, però ja vaig fer una excepció amb aquest mateix motiu, i és que em sembla que totes les novetats sobre el millor aventurer de tots els temps ho mereixen. Ací vos presente tres noves fotos d’Indiana Jones.
Als noms de repartiment coneguts, com els de Shia Le Beouf i Karen Allen, s’hi afegeixen alguns nous, com ara els de Ray Winstone (d’actualitat per ‘Beowulf’), Cate Blanchett (com a malvada de la funció), John Hurt o Jim Broadbent.

El títol sembla que ja està confirmat de la ma de Shia Le Beouf, a quí li se va escapar en una entrevista. Es tracta de ‘Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull’, o una cosa així com “Indiana Jones i el Regne del Crani de Cristall”.

Per a acabar, dir-vos que el tràiler està preparat per a eixir el dia de la Super Bowl. En España haurem d’esperar una miqueta més. I la data d’estrena és el 22 de maig del 2008. Paciència…

Stardust

2007, Fantàstic. Dir: Matthew Vaungh. Guión: M. Vaungh y Jane Goldman. Música: Illan Eskheri. Int: Rick Gervais, Clare Dannes, Robert De Niro Michelle Pfeiffer, Peter O'Toole.

M’encanten aquestes històries... M’agrada creure en què l’amor verdader és la força més gran de la vida i que és el motor que mou el món. M’agraden les aventures fantàstiques, encara que alguns pensen que són per a xiquets (i probablement ho siguen…). M’agrada vore a un jove normal convertit en un heroi mític. Que no necessite fer-los passar una mala estona als que a l’inici li l’han feta passar a d’ell, ja que al final, no ha de demostrar-li res a ningú. M’agraden els mons fantàstics, ben creats, que il·luminen l'escena de forma especial. Aleshores, quan trobe una història que combina tot açò, es precís que m’il·lusione.
Stardust és una d’aquestes històries. Ens narra la vida d’un jove botiguer, que per amor a una dona creua el mur que limita la fantasia amb la realitat per introduir-se plenament en un món de somnis. En ell trobarem reis, princeses, fantasmes (dels dos tipus), bruixes, pirates, endevinadors, unicorns i fins i tot, estels amb vida pròpia... L’aventura ens narra un viatge iniciàtic, com en quasi tots aquestos casos, en el qual el personatge protagonista anirà creixent com a persona i com a heroi, progressivament, en funció de les influències dels altres personatges que apareixen al film.
Si podem criticar alguna cosa, tal vegada siga la poca personalitat de l’heroi del film, Ricky Gervais. Malgrat la seua evolució dins de l’obra potser aquest siga l’únic que no convenç de tot el repartiment. Ja que des de la seua partenaire/estel Claire Dannes, fins a la majoria dels secundaris entre els quals trobem ni més ni menys que a Peter O’Toole, Rufus Sewell i Sienna Miller, entre d’altres, cal dir que tot el repartiment realitza una excel·lent interpretació. Menció especial per a mi requereixen dos actors. En primer lloc, Robert DeNiro, que confirma ací que sap adaptar-se a qualsevol paper que li se propose, des del pirata més cruel fins a un afeminat que s’amaga en un món de salvatges. Tot açò amb el seu toc personal.

I per suposat Michelle Pfeiffer.

He de dir que no és una de les meues actrius preferides, però ací és impossible no reconèixer que està magnífica. Es tracta d’un paper genial per a ella, ja que és una bruixa molt envellida que es tornarà jove mijançant un enacnteri. Aquest fet li permetrà lluir tot el seu esplendor, i aprofitar la seua impressionant bellesa que la convertirà en un dimoni totalment encisador.
En fi, ja us dic que a mi, m’agraden especialment aquestes històries. Així que tal vegada no siga el més indicat per a jutjar. I és que fins i tot ara, quan ja fa vint anys de la seua estrena, encara veig amb molta estima i nostàlgia La Princesa promesa de Rob Reiner. I tal vegada Stardust siga la seua bessona en la primera dècada del segle XXI.

[REC]

2007, Terror. Dir: Jaume Balagueró y Paco Plaza. Guión: Balagueró, Plaza y Luis Berdejo. Int: Manuela Velasco, Vicente Gil, Pablo Rosso...

La última película de Jaume Balagueró y Paco Plaza nos narra una historia del terror impactante narrada por medio de los mecanismos de la televisión. Resulta que un equipo móvil del programa televisivo Mientras usted duerme se desplaza a un cuartel de bomberos para contarnos la historia de una noche normal dentro de la rutina del cuerpo. Los problemas empiezan cuando se recibe una llamada desde una casa vieja en la que una mujer mayor parece que ha enloquecido y está escandalizando a todos los vecinos. La sorpresa llegará cuando tanto los bomberos, como la policía, que ya está allí, y el equipo de TV se den cuenta de que el comportamiento de la mujer no es nada normal, ya que les recibe por medio de un violento ataque. La situación se complica cuando huyendo de la mujer llegan al rellano de la escalera y se les prohíbe salir del edificio por su propia seguridad.
Así pues encontraremos a un grupo de personas encerradas en un espacio reducido con una gran amenaza al acecho. Este mecanismo cinematográfico, es algo bastante utilizado en el cine de terror (lo hemos podido ver en Alien el Octavo pasajero entre otras muchas películas). Además, el hecho de unas personas que atacan violentamente a quien se les aproxima ha aparecido recientemente en 28 días después de la mano de Danny Boyle y en su genial secuela 28 semanas después dirigida de forma escepcional por el español Juan Carlos Fresnadillo. Con esto quiero decir, que la película innova únicamente en el aspecto de que todo lo que vemos se muestra a través de la cinta y sus imágenes registradas por la cámara de televisión (y no del todo, ya que este hecho también tenia un precedente en la conocida y polémica El proyecto de la Bruja de Blair)

Aun así, hay que decir que el resultado que obtienen los directores es muy bueno. De hecho el film ha conseguido numerosos premios en el Festival de Cine Internacional de Sitges. Y su objetivo de producir terror está sobradamente conseguido. La gente siente realmente pánico en la sala, de hecho, se han colgado videos en you tube mostrando las reacciones del público durante el visionado del film. Y las sensaciones de pánico entre la gente son espeluznantes. Si le pongo una única pega es el tipo de terror que trata. Al centrarse en impactos breves y repetidos, la película se hace un poco previsible pese a la dureza de sus imágenes. Para mi, siempre es más inquietante el terror psicológico de obras como Al final de la escalera, El sexto sentido o Los otros. Pero esto es una cuestión personal y de gustos.
En resumen, un buen producto que me crea una sensación semejante a la que tuve cuando vi otro film de Balagueró. Concretamente fue Darkness. La película me creó unas importantes expectativas respecto a lo que iba ver, y mi sensación al salir de la sala fue un poco la de decepción. Con Rec estamos ante una buena película de género, que cumple sobradamente sus intenciones, pero que en mi opinión no pasará a la historia como otros clásicos del mismo tipo ya lo han hecho.

Encantada. La historia de Giselle

A petición del público.

2007, Romántica. Dir: Kevin Lima. Guión: Billy Kelly. Música: Allan Menken y Stephen Swartz. Int: Amy Adams, Patrick Dempsey, James Mardsen, Susan Saradon.
Supongo que a los lectores habituales de este blog les sorprenderá la aparición de esta crítica, pero se dan diversas circunstancias, que hacen que me ponga a escribir estas letras en relación a este film.
Con la Disney de fondo, Encantada nos cuenta la historia de Giselle, un personaje creado con lápiz y papel que se enamora de un príncipe, y cuando está a punto de casarse con él, se verá enviada a nuestro mundo real, de carne y hueso, por la mano de la malvada madrastra del príncipe en cuestión. Todo esto con el objetivo de que la joven no pueda acceder al trono y relegar así al olvido a la madrastra.
Una vez en nuestro mundo, la joven princesa Giselle se verá envuelta en una serie de situaciones tópicas que la llevarán a enamorarse de un humano real y de la pequeña hija de este. Así pues, cuando su príncipe azul venga a rescatarla, la sorpresa de éste será que la joven se ha olvidado de él, y que le atrae más nuestro mundo sin príncipes al uso y con citas normales para salir, bailar, cenar y conocerse. Todo esto, adornado con un par de números musicales (geniales los negros del parque) al estilo de los films animados de la Disney, nos traerá una película sencilla que emocionará a más de uno y que divertirá tanto a mayores como a pequeños haciéndonos salir del cine un poco más niños de lo que realmente somos. Ahora bien, en Encantada vi un paralelismo que me gustaría reflejar aquí. Y nada más y nada menos que es con la que se considera la mejor obra de la historia de la literatura: El Quijote, de Miguel de Cervantes. Y es que al colocar al personaje mágico de Giselle en un mundo real como el del Manhattan de hoy en día, las situaciones que se dan son cómicas y similares a las que obtuvo Miguel de Cervantes al colocar a su caballero andante en la España del siglo XVII. Y más aun, cuando al final del film, la joven va a parar a una fiesta en la que todos van disfrazados de príncipes y princesas, menos ella, que después de haber ido vestida así todo el film, aparece con un vestido de noche de lo más normal. Y es precisamente en esa escena donde se convierte en una mujer real.
Así como al final de la novela de Cervantes, Don Quijote se acercaba a la realidad “Sanchizandose”, queriendo regresar al hogar y abandonando sus correrias, y Sancho se aproximaba al mundo de la fantasía “Quijotizandose”, con su intención de volver a salir al mundo en busca de aventuras, en Encantada diremos que nuestra realidad se aproxima al mundo fantástico de magia y princesas de la Disney, y que la joven Giselle, se acerca a nuestra realidad pura, dura y cotidiana la de las relaciones de pareja y la de nuestra vida.
Un paralelismo que no deja de ser muy interesante en un film que ofrece lo que se le pide. Ni más, ni menos.

Diálogos para el recuerdo: Doce del patíbulo

1967, Bélica. Director: Robert Aldrich. Guión: Nunnally Johnson. Música: Frank De Vol. Int: Lee Marvin, John Casavettes, Charles Bronson, Robert Ryan.
En 1967, Robert Aldrich se pondría al frente de uno de los proyectos más ambiciosos de la historia del cine bélico. Su objetivo fue reunir un espectacular plantel de actores, para narrar una apasionante historia enmarcada dentro de la segunda guerra mundial.
El mayor Reisman presencia una ejecución. No es el tipo de actos que le satisface ver, pero sus deberes como oficial de la armada le obligan a esto y a algunos desagradables actos más. Ahora bien, su sorpresa llegará a la salida del patíbulo. Allí le esperan un grupo de oficiales superiores que le tienen reservada una misión especial. En primer lugar, tendrá que reclutar un grupo de convictos y condenados a muerte, a los que se les dará su última oportunidad de liberarse y reinsertarse en la sociedad. El pago que deberán ofrecer a cambio de esto será el de una misión suicida. En primer lugar seis semanas de entrenamiento intensivo con salto en paracaídas incluido. El objetivo de este duro entrenamiento será el asalto de una fortaleza nazi con el fin de acabar con la vida del mayor número posible de oficiales enemigos.
Reisman, no se rebela. Ya lo ha hecho otras veces y sabe que no sirve de nada. De ahí su expediente repleto de inútiles insubordinaciones. Sabe que le han dado una asquerosa misión, pero se sentirá honrado de llevarla a cabo de una forma excelente.
Lee Marvin se ponía al frente de esta historia en el que seria uno de los más grandes retos de su carrera. A su lado, del lado de los presos, hallaremos actores geniales, de la talla de Charles Bronson, Telly Savalas, Donald Sutherland o un extraordinario John Cassavettes en un papel construido a su media, por su rebeldía y descaro. Y del lado de los oficiales norteamericanos, podremos encontrar a los magníficos Robert Ryan y Ernest Borgine.

En este film cabe todo, excelentes actuaciones (como la de John Cassavettes, que fue premiada con una nominación a los Oscars), duelos interpretativos, de personalidad y de ego memorables (como el de Lee Marvin con Robert Ryan), momentos de amistad y compañerismo (como cuando todos ayudan a Bronson), malos que se convierten en buenos cuando aparecen los malos de verdad, y hay incluso lugar para el humor (con la genial escena en la que Donald Sutherland se hace pasar por general, momento inigualable que me atrevo a calificar como uno de los mejores de toda su carrera).
Una obra completísima, que fascina a quien la ve, y que mantiene su frescura y genialidad, aun hoy en día, 40 años después de su rodaje.

Diálogos para el recuerdo: Pulp Fiction

1994, Policiaco. Dir: Quentin Tarantino. Guión: Quentin Tarantino y Roger Avary. Música: Varios Interpretes (Urge Overkill, Chuck Berry,...) Int: John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis...

En 1994, Quentin Tarantino iba a convertirse en l’Enffant Terrible de Hollywood. Y la culpa de esto la tuvola que hasta ahora está considerada su mejor película tanto por público como por crítica. Hablamos nada más y nada menos que de Pulp Fiction.
Un par de años antes el joven director había estrenado Reservoir dogs, sorprendiendo con ella a todo el mundo y obteniendo los principales galardones del festival de Sundance, de Toronto y de Sitges entre otros muchos.
Tres historias se entrecruzan a lo largo del film, en el que podremos ver mezclarse a matones, camellos, asesinos, drogadictos, mafiosos, sodomitas y gangsters, entre una abundante fauna norteamericana. Dichas historias estaban escritas por el puño y letra del propio Tarantino, y por el de su socio en aquel momento Roger Avary.
Y les otorgarían nada menos que siete nominaciones a los oscars, de las cuales solo conseguirían la estatuilla a mejor guión original. También ganaron la palma de oro en el festival de Cannes y hasta 40 premios más en otros certámenes junto a numerosísimas nominaciones.
Resulta muy curioso que en una película, que reunía nombres tan llamativos como el de John Travolta (resucitado cual ave fénix de sus propias cenizas), Bruce Willis, Uma Thurman, Harvey Keitel o Samuel L. Jackson, el nombre que más sonara fuera el de su director.
Nadie sabe cual es el ingrediente que esconden los films de Tarantino y que los hacen triunfar. Quizás sea, la frescura y originalidad de sus diálogos, o posiblemente la cotidianidad con que hablan sus gangsters. Tal vez sea la dureza de su violencia, o una conjunción de todas las anteriores. El caso es que estas películas gustan.

El publico ya quedó fascinado con su opera prima Reservoir dogs y con la obra que tratamos hoy. Después vendrían, tras un breve episodio de Four Rooms y diversas apariciones como actor en numerosos films, Jackie Brown y las dos partes de Kill Bill. Recientemente, nos ha presentado Death proof, su episodio dentro del proyecto conjunto Grindhouse. Pero hay que decir, que entre el público ya no ha tenido el éxito de sus predecesoras, por no hablar de la crítica, en la que ya hace tiempo va forjando opiniones dispares.
¿Se habrá acabado ya la capacidad de creación de este genio? O por el contrario, ¿podremos volver a ver obras tan geniales como la que nos ocupa hoy? Estas respuestas solo él mismo las sabe. Tengamos fe…

Diálogos para el recuerdo: Pat Garret & Billy the Kid

1973, Western. Dir: Sam Peckinpah. Guión: Rudy Wurlitzer. Música: Bob Dylan. Int: James Coburn, Kris Kristofferson, Bob Dylan, Jason Robards.

Hoy hablamos del que quizás, con el respeto de Grupo Salvaje, sea el western más representativo de la carrera de Sam Peckinpah.
Crepuscular desde su primer minuto, nos narra los últimos dias de dos personajes históricos, de dos amigos, que por circunstancias de la vida se verán enfrentados en una caza cuyo punto final será la muerte.
William Boney, más conocido como Billy the Kid y Patrick Garret, combatieron juntos en el conflicto del rio Pecos de la mano del ganadero John Chisum. Poco después de aquello, la vida los separaría, poniendo a Garret del lado de la ley y a Billy del de la delincuencia, el robo y el asesinato. Esto les abocaría a un enfrentamiento predestinado. Y más aun, cuando los hombres de Santa Fé contrataron a Pat Garret con el único fin de apresar a Billy, o de acabar con su vida.
Peckinpah bordaría la adaptación de esta leyenda al reflejar en ella el conjunto de las obsesiones que forjaron su carrera: La dureza, la melancolía, la amistad y por encima de todas ellas, la violencia. Una violencia que aun hoy en día impacta por su crudeza. Su potencia visual es de una fuerza impresionante y nos atrae desde su primer minuto, del modo en que solo el viejo mestizo de Peckinpah sabia hacer. También sus personajes nos seducen, los dos. Por un lado Garret, interpretado magistralmente por James Coburn (quizás en el mejor papel de su carrera), que nos muestra como el mito está envejeciendo y el motivo por el cual decide unirse a la ley, incluso para acabar traicionando a su amigo. Y por el otro a Billy, un magnífico Kris Kristoffersson en el que fue su debut, mostrando la crueldad y la dureza de un personaje que al mismo tiempo es realmente humano y que nos resulta tremendamente atractivo desde el inicio del film. Todo ello con un hilo musical de fondo compuesto por el mismísimo Bob Dylan, que coincide con la imaginaria del film de una forma espectacular y cuyo buque insignia es nada más y nada menos que Knockin’ on a heavens door, uno de sus temas más conocidos.
En fin, un film excepcional, una obra maestra con el sello de Peckinpah impregnado, que hará disfrutar a todos los fans del western en general, y a los del director en concreto, con su crudeza y realidad como principal bandera.

Adiós pequeña, adiós

2007 , Policiaco. Dir: Ben Affleck Guión: Ben Affleck y Aaron Stockard Música: Harry Gregson-Williams Int: Casey Affleck, Ed Harris, John Ashton, Morgan Freeman, Michelle Monaghan

¡Bien por Ben Affleck!
Ni siquiera cuando, allá por el año 1998, le otorgaron la estatuilla a mejor guión original por la redacción junto a Matt Damon de la historia que dio lugar a El indomable Will Hunting, llegué a imaginar que este “actorzuelo” (el año pasado ganó la copa Volpi a la mejor interpretación con Hollywoodland, interpretando a un mal actor) sería capaz de crear una obra tan genial como ésta.
Hay que decir que el origen de esta historia está en una novela de Dennis Lehane (autor entre otras historias de la que serviría de punto de partida para la impresionante Mystic river de Clint Eastwood), lo cual ya es una punto de partida más que interesante. Además, en la nómina de actores (a parte del joven hermano del director, Cassey Affleck, quien se defiende bastante bien) encontraremos nombres tan impresionantes como el de Morgan Freeman y sobretodo el de Ed Harris, un inmejorable secundario, a quien la academia ya hace años viene negándole su merecido premio y que quizás en esta ocasión se lo conceda.

Y a parte de todo esto, por si fuera poco, el film plantea un dilema moral a sus personajes y al espectador en general. La pregunta es: SPOILER ¿Debe una niña permanecer al lado de su madre (aunque ésta sea una pobre yonqui inconsciente, con todas las cartas para convertirse en narcotraficante), o por el contrario debe quedar con otra familia, bien posicionada, que le otorgará una buena vida y un futuro prometedor, aunque con ello se la secuestre, se infrinja la ley y se la separe de su inadecuada y peligrosa progenitora? Fin de SPOILER ¿Qué opinais?

Es cierto que con todos estos aspectos a favor, seria difícil hacer un mal producto, pero aun así, la manera de narrar de Affleck es muy atractiva. La historia consigue enganchar desde su primer minuto, y aunque en algún momento las aclaraciones que hace no sean excesivamente necesarias, el resultado final es el de un buen policiaco que presenta un admirable punto de partida para la carrera de un director, que esperemos mejore, la que este mismo ha llevado a cabo dentro del mundo de la interpretación.
Buen debut (esperanzador) para Affleck. A ver que viene después…

Déjame que te cuente... Los cuentos que me enseñaron a vivir

Gracias Ismael.

En esta obra, el argentino Jorge Bucay nos cuenta, al más puro estilo de Las mil y una noches o El Conde Lucanor, una serie de relatos que nos ayudarán a crecer como persona para nosotros mismos y para los demás. En este caso concreto, el papel del Sultán o del Conde cae en manos de Demián, un joven e inocente estudiante universitario, que acude a terapia en busca de la solución a los numerosos problemas que le acechan en su vida. Allí encontrará a su Sherezade o a su Patronio particular, en Jorge el Gordo, su terapeuta, que siempre hallará un ejemplo adecuado para solucionar el conflicto que trae de cabeza en ese momento al Demián. Su relación paterno-filial irá creciendo a lo largo del libro y a medida que aumenta el número de cuentos, llegando a sentirse realmente unidos y a profundizar una importante amistad.
Ahora bien, esto es solo una escusa. Una escusa que se inventa el autor para transmitirnos un buen puñado de relatos aplicables a una infinidad de situaciones, que nos ayudarán a crecer como seres humanos y a hacernos mejores personas.
En mi opinión, consigue su objetivo. Es más, ahora que he terminado su lectura, lo tendré siempre a mano para poder echarle algún vistazo en momentos de tristeza o soledad.

Diálogos para el recuerdo: La huella

1973, Misterio. Dir: Joseph L. Mankievicz. Música: John Addison. Guió: Anthonny Shaffer. Int: Lawrence Olivier, Michael Caine.

Siempre que me enfrento al visionado de una película como La Huella tengo la misma sensación. Hablo de obras que se desarrollan en un único escenario y con un número fijo de participantes. Obras que podríamos encuadrar en un cine teatral y entre las que podríamos destacar títulos como La soga, 12 hombres sin piedad o La gata sobre el tejado de zinc. Y la sensación que tengo es la de fascinación con respecto a este tipo de cine. Y es que me sorprende muchísimo que estas cintas sean capaces de mantener encandilado al espectador a lo largo de todo su metraje, únicamente por el poder de la historia que recrea su guión y por la gran capacidad interpretativa de sus actores.
En La Huella Joseph L. Mankievicz nos presenta una historia en la que dos hombres de diferente edad van a verse enfrentados a causa del amor de la esposa del mayor y la amante del menor. Veremos una caza entre el gato y el ratón en la que quizás el gato salga más perjudicado de lo previsible en un principio.
En el papel del marido engañado encontraremos al magnífico Lawrence Olivier en uno de sus papeles más recordados. Y en el del joven seductor hallamos a Michael Caine, el galán inglés por excelencia que sabrá interpretar las veces del joven amante de una forma espectacular.

Hoy hemos hablado del reciente remake de esta genial obra, que aunque tenga en sus filas nombres de la talla de Jude Law o Kenneth Branagh, e incluso, el del mismísimo Michael Caine, que repite ahora, aunque con el papel del marido ultrajado, dudo mucho que llegue a la altura de su predecesora. Y es en esos momentos en los que pienso si son necesarios los remakes de obras tan grandes como Psicosis, El caso Thomas Crown o la que hoy ha sido el hilo conductor de nuestro programa, La huella.

Promeses de L'Est

2007, Triller. Dir: David Cronemberg. Guió: Steven Knigth. Música: Howard Shore. Interpretació: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel,...

En Promeses de l’Est, trobem una crua i impactant història sobre la màfia russa. Els qui busqueu en ella una pel·lícula a l’ús de les realitzades pel seu director David Cronemberg, em sembla que us decebreu. I és que pareix que ja en la seua anterior pel·lícula Una història de violència, el realitzador canadenc es desmarcava notablement de la que havia sigut la seua forma habitual de fer cinema. Ací, de nou deixa de banda les seues obsessions representades principalment per la ciència, el terror o la fusió entre la matèria orgànica i la mecànica, per centrar-se plenament en la violència, un altre dels seus temes preferits. I per sorprendre’ns notablement amb una molt interessant història que tracta un tema realment impactant que travessa moments de forta actualitat hui en dia: el crim organitzat de l’Europa de l’Est.
Amb la ciutat de Londres com a teló de fons coneixerem la història de Nicolai (Viggo Mortensen), un simple xofer de la màfia, que des d'un principi sembla ser més del que aparenta. La vida normal de la seua organització canviarà notablement amb l’aparició d’Anna (Naomi Watts), una comare que comença a investigar la vida d’una jove prostituta, relacionada amb el submón rus, que ha mort als seus braços donant a llum a una petita xiqueta.

Del costat dels mafiosos trobarem a Semyon (un genial Armin Muller-Stall) fent les funcions de cap de la família i al seu fill Kirill (interpretat per un desconegut Vincent Cassel, que ens sorprèn ací amb un personatge tan brutal com dèbil al mateix temps, sortint d’aquesta difícl interpretació prou allunyada del seu registre, d’una forma més que notable).
Un repartiment excepcional que donarà vida a aquesta història més pròxima al cinema clàssic, que a aquell en el qual David Cronemberg aprofitava per desplegar tot el seu catàleg d’obsessions i inquietuds artístiques, tan impressionants com transgressores.
Per a mi, i sense voler desprestigiar el seu cinema anterior, obté un 10 en el seu canvi.

Diálogos para el recuerdo: Dos hombres y un destino

1969, Western. Dir: George Roy Hill. Guión: William Goldman. Música: Burt Bacharach. Interpretación: Paul Newman, Robert Redford, Katherine Ross...
Para hablar de las buddy movies, o películas de compañeros, he decidido echar mano de filmoteca para recordar este genial clásico de George Roy Hill. Sé que no es la primera de las películas con dos protagonistas que realizan un viaje, pero sin duda es una de las más especiales.
Ganadora de cuatro Oscars la cinta agradó muchísimo tanto a público como a crítica. Y llegó a tal punto que tendría una precuela posterior, conocida como Los primeros golpes de Butch Cassidy y Sundance Kidd.
En Dos hombres y un destino, Butch y Sundance son dos atracadores de bancos y asaltadores de trenes que enmarcan sus aventuras en el lejano oeste. Juntos recorrerán toda América a lo largo y a lo ancho en busca del precioso metal y al mismo tiempo, huyendo de la policía.
Newman y Redford, dos sex symbols en auge en aquel momento, se reunían para co-protagonizar una de las más famosas aventuras de la historia del cine. El contrapunto femenino lo pondría de una forma excelente Katherine Ross en el papel de la novia de Sundance.
Pero tendría que ser George Roy Hill, quien reuniera pocos años después otra vez a Newman y a Redford, para co-protagonizar de nuevo otra historia, diferente a ésta, pero no por ello menos atractiva. Hablo de El Golpe, por supuesto.

Tan famosa como la película sería su canción principal, Raindrops keep faling on my head, que oímos en este momento y que ha sido versionada hasta la saciedad.
Son numerosos los momentos a destacar dentro de Dos hombres y un destino. Entre ellos podemos destacar los tres que hoy estamos recordando aquí:
- En primer lugar la pelea que se provoca al querer desplazar a Butch de su puesto de jefe dentro de la banda. Problema que el personaje soluciona con una enorme facilidad.
- Otra secuencia genial es la del salto al río huyendo de la policía. Es tremendo poder escuchar a alguien tan duro como Sundance admitiendo que no sabe nadar.
- Y para terminar la que escucharemos ahora, ese final tan mítico como inolvidable, en el que los dos ladrones planean su huida a Australia en busca de una nueva vida mejor que la que han llevado hasta ese día.
Ahhh, y no me olvido del paseo en bicicleta…

Disturbia

Terror 2007 Dir: D.J.Carusso. Guión: Christopher B. Landon y Carl Ellsworth. Música: Geoff Zanelli. Interpretación: Shia LeBeouf, Sarah Roemer, David Morse, Carrie Anne Moss,...

Si hablamos del, ya hace años emergente, subgénero de terror adolescente, no puedo decir que soy un experto en la materia, puesto que a parte de Pesadilla en Elm Street (la primera entrega), La noche de halloween, Carrie y Scream 2 (la cual vi en un programa doble junto a Jackie Brown) casi puede afirmarse, sin temor al error, que no he visto ninguna película más de este tipo. Así que quizás yo no sea la persona más indicada para realizar la crítica que me dispongo a hacer.
Pero ahora bien, que se diga que Disturbia, la última producción del director D.J. Carusso, está revolucionando el cine de Estados Unidos y rebentando sus taquillas, me parece cuanto menos sorprendente. El film, no aporta nada nuevo a los anteriormente citados. Un asesino en serie, pequeñas dosis de sustos, chicas guapas y un joven rebelde que se verá abocada a resolver el problema.
¿La única novedad? Pues bien, se trata nada más y nada menos que un remake de La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock. Y viendo esto, es cuando te planteas si alguna vez se tenía que haber ligado el nombre del genio del suspense a esta producción. Estoy seguro de que debe estar zarandeándose inquieto dentro de su vieja tumba.
En fin, si salvamos algo, por salvar, sería a David Morse, que casi sin decir palabra mantiene la tensión con respecto a su personaje, y que poco a poco va haciéndose un hueco entre esa nómina de secundarios de lujo que hay labrada hoy en Hollywood. Para concluir diré que el film es más bien discreto. Demasiado, si se toma en consideración la que fue su predecesora. Incluso Brian de Palma con su Doble cuerpo deja a mil leguas a esta pobre imitación. Lo cual me hace confirmar lo que ya sospechaba: Cada vez estamos más separados de estos jóvenes que crecen bajo el signo de las barras y estrellas de Bush ¿o no? (que no sé que me da más miedo…)

Diálogos para el Recuerdo: La Jungla de Cristal

1988, Acción. Dir: John McTiernan. Guión: Jeb Stuart y Steven E. Souza, basado en la novela de Roderick Thorp. Música:Michael kamen. Interpretación: Bruce Willis, Allan Rickman, Reginald VelJhonson, Bonnie Bedelia...

Queríamos reiniciar nuestros diálogos para el recuerdo con un clásico, por aquello de recordar lo apasionado del cine en su origen. Pero hoy, no he podido resistir la tentación de recurrir a la primera entrega de las aventuras de John McClane.
Y es que La jungla de cristal, a parte de que ya tiene la friolera de 20 años y es uno de los mejores films de acción de todos los tiempos, puede considerarse ya todo un clásico.
En ella, se nos narra la situación límite en que se verá involucrado John McClane, un policía de Nueva York, que al venir a Los Ángeles a visitar a su esposa por Navidad se hallará encerrado en un monstruo de hormigón, el Nakatomi Plaza, y se verá obligado a luchar contra unos ladrones profesionales que planean realizar el robo con rehenes más grande de toda la historia.
Ésta es la excusa para presentarnos a un personaje que sin duda pasará a los anales de la historia del cine. De hecho ya vamos por la cuarta entrega de sus aventuras. Y es que McClane, con sus malos modales, su planta de caradura, su rapidez de actuación y su amor por el riesgo es capaz de seducir a cualquier tipo de espectador del cine de acción.
En la jungla encontramos acción a la vieja usanza, sin un momento de respiro. Todo ello de la mano de John MacTiernan, un magnífico director del género que siempre nos ha deleitado con excelentes obras. Y además, un ingrediente que quizás sea el que ha hecho triunfar a esta saga. Algo que realmente es innovador en ella. Se trata de ese humor negro innato al personaje, que es capaz de reírse de si mismo en los momentos más tensos del film.
Y hay que decir que este aspecto ha hecho muchísimo daño al cine de acción y aventura de los últimos años, ya que en películas que no tenían nada que ver con esta saga, se introducían estos gags de humor en escenas verdaderamente tensas, provocando la carcajada en el espectador, pero acabando al mismo tiempo con el realismo y el dramatismo del film en cuestión.
En fin, que John McClane es John McClane, y no queremos que lo sea nadie más. A él le está permitido reírse hasta de su propia sombra, pero nada más a él. Los demás que se dejen de humor negro y fácil y guarden para él su ¡Yipee ki yay, hijo de puta! que es, sin duda alguna, quien mejor lo sabe hacer.

Primera Plana

Primera Plana és un programa de ràdio que s'emet tots els dijous a les 19.15h. en Cope Alcoi, al 106.2 FM. En ell, podreu escoltar-nos a Ruben Feijoo i a mi comentant l’actualitat cinematogràfica.
L’espai es divideix principalment en tres parts. La primera d’elles és les Estrenes, en la qual comentem dues pel·lícules d’actualitat. La segona part és la de les notícies, i porta per títol A.L. Conficencial, fent homenatge a la pel·lícula de Curtis Hanson. En ella parlem de la cartellera d’Alcoi, de l’actualitat del món del cinema (festivals, rodatges, projectes, successos...) i de les novetats en DVD. Per acabar, la darrera part és la de Diálogos para el recuerdo, en la qual seleccionem un diàleg mític d’una pel·lícula, que intentem siga una mica més clàssica, i el comentem mentre recordem el film.
Si no podeu sentir el programa, jo intentaré penjar-lo al blog totes les setmanes per a què pugueu descarregar-lo o escoltar-lo. I el que també penjaré serà el text que escric cada dues setmanes per presentar el diàleg del final. Així podreu anar analitzant les meues opinions sobre les pelis que tractem al programa.

Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima

*Contiene SPOILER

Este verano he aprovechado para ver el ambicioso proyecto que ha llevado a cabo Clint Eastwood en esta temporada cinematográfica. Se trata de dos films que narran una misma historia enfocada desde dos puntos de vista totalmente diferentes: La batalla de Iwo Jima. Esta campaña militar enfrentó a estadounidenses y japoneses al final de la segunda guerra mundial. El escenario donde tuvo lugar la masacre fue, como hemos dicho, Iwo Jima: Una pequeña isla del pacífico que pasaría a la historia a causa de una fotografía tomada por el famoso reportero gráfico Robert Kappa.

2006, Bélica. Director: Clint Eastwood. Guión: Paul Haggis, William Boyles Jr. basado en la novela de James Bradley y Ron Powers. Música: Clint Eastwood. Interpretación: Ryan Philippe, Jesse Bradford, Adam Beach y Barry Pepper.

Banderas de nuestros padres.
Ésta, fue la primera de las dos películas que se pudo ver en la gran pantalla. Por su parte, nos narra el punto de vista norteamericano de la batalla. La historia que cuenta, se podría dividir en dos partes. Por un lado se nos muestra el desembarco de las tropas norteamericanas en la pequeña isla japonesa hasta el momento en que al conquistar la famosa colina, se realiza la fotografía que dará la vuelta al mundo. Por el otro, el director nos explica como los norteamericanos se encargaron de organizar un excepcional acto publicitario por medio de la foto, con el objetivo de conseguir fondos monetarios con los que subvencionar su guerra y conseguir así acabar con el ejército Nipón. Con estás partes tan claramente separadas pero entremezcladas a lo largo del metraje del film, Eastwood, nos presenta una fábula totalmente antimilitarista que hará mella en todos los corazones. Podremos ver el sufrimiento de los tres soldados elegidos para protagonizar los actos de la campaña, al pensar que sus compañeros siguen en el campo de batalla. Sus preocupaciones al respecto del deber cumplido para con su patria. Sus nauseas al darse cuenta del tamaño de la pantomima en la que se han visto involucrados. Y así sucesivamente una serie de secuelas producidas por la guerra que no deja nunca inmune a nadie que vaya a participar en una de ellas.

El resultado cuanto menos es notable, ahora bien, quedan en mi opinión algunos pequeños aspectos por limar. Referente al desembarco, la película no nos aporta nada nuevo que no hubiésemos visto ya en obras anteriores como Salvar al soldado Ryan o La delgada línea roja. Es de un extremado realismo, pero no nos sorprende del mismo modo que lo hicieron estos films en su día. Y la parte de la campaña publicitaria no deja de resultar un poco larga para mí. Sin lugar a dudas el director consigue transmitir sus pensamientos antibelicistas, pero el film no llega a la perfección que ha logrado este gran creador en obras anteriores como Poder absoluto, Mystic river, Un mundo perfecto o Sin perdón.

2006, Bélica. Director: Clint Eastwood. Guión: Iris Yamashita y Paul Haggis, basado en la novela de Tadamichi Kuribayashi. Música: Kyle Eastwood y Michael Stevens. Interpretación: Ken Watanabe, Kazunari Ninomiya, Tsuyoshi Ihara y Ryo Kase.

Cartas desde Iwo Jima.

El segundo film nos muestra el punto de vista Japonés de la misma historia. Y hay que decir que en este experimento, Eastwood ha querido ir tan al extremo que la película ha sido rodada en el japonés original. Así que al no haberse realizado copias dobladas la película debe verse en el idioma Nipón con subtítulos.
La historia en este caso es la de la campaña miliar, vista desde los distintos ojos de cada uno de sus protagonistas por medio de las cartas que estos ecribieron a sus familiares más cercanos. Cartas que por otra parte nunca llegarían a su destino.
Por un lado tenemos la historia del General Tadamichi Kuribayashi. Un hombre de principios, que se ve abocado a dirigir a su ejército en una campaña que podríamos definir como la crónica de una muerte avanzada. Si el ejército norteamericano se encuentra sin fondos para terminar la guerra, el japonés no está en mejor situación. Sobretodo después de perder gran parte de su armada en una batalla reciente. Aun así, Kuribayashi organiza la defensa de la isla de forma magistral alargando su conquista hasta llegar a los 40 días y provocando la muerte de unos 7000 soldados norteamericanos. Es ahí donde vemos la educación que éste ha recibido en los Estados Unidos y el conocimiento que tiene pues de su enemigo.
Podemos hablar también del joven Saigo, antibelicista por naturaleza y futuro padre de familia que se ve envuelto en una guerra sin sentido para él, ni para nadie, y en otra lucha particular que será la de salvar su vida.

También encontraremos al genial personaje del barón Nishi que sabiendo lo desesperado de la campaña va a embarcarse en ella para hacerle costado al general Kuribayashi y demostrar así su fidelidad hacia él.
Y para terminar veremos a Shimizu, un soldado de elite expulsado de su cuerpo y enviado a Iwo Jima para encontrar allí una muerte segura.
La obra está en mi opinión más acertada que la anterior. En ella veremos los enfrentamientos entre los mandos militares por decidir la manera de organizar la defensa de la isla. Los principios de una cultura que envía a sus hombres al suicidio antes de cometer la desobediencia de una orden. La lealtad de unos y la traición de otros. Fenómenos sin duda que forman parte de los hechos del campo de batalla y que Eastwood sebe reflejar aquí de forma magistral. Aun así, le ocurre como a su predecesora, no alcanza el nivel de otras obras de su director.
La conclusión que podemos extraer es que Clint Eastwood se ha puesto al frente de un proyecto ambicioso como ninguno y que sale de él de forma muy airosa. Casi podríamos decir que notablemente. Y es que imagino que ninguno de los dos bandos podrá echarle nada en cara al director, en lo que se refiere a su imparcialidad a la hora de transmitir su historia. Y junto a él destacar la labor de guión de Paul Haggis a quien ya conocimos en Crash.
En fin, dos obras recomendables, al las que quizás lo único que se les pueda hechar en cara sea el no llegar al calificativo de excelente, al que Clint Eastwood nos tiene acostumbrados en sus últimos films.

Indiana Jones IV

Aquest post no és per comentar cap pel·lícula que haja vist, perque com tots sabeu, la darrera entrega de la saga de les aventures de l’arqueòleg més famós del món encara no s’ha estrenat. Simplement és per a què tots els qui sou fans d’aquest personatge com jo, aneu obrint boca amb les imatges que han eixit del proper film, amb què eixos dos genis que són Steven Spielberg i George Lucas ens delectaran el proper any 2008.
En tenim una del primer cartell promocional, una del protagonista en la seua salsa (sembla que els anys no hagen passat per a Harrison Ford), una de família del set de rodatge i una del director amb el personatge de Marion (A la recerca de l’arca perduda) ressuscitat.Puc avançar-vos també els possibles títols que ja s’han registrat per part de Lucasfilm Ltd., encara que potser cap d’ells siga el definitiu:
- Indiana Jones and the City of Gods.
- Indiana Jones and the Destroyer of Worlds.
- Indiana Jones and the Fourth Corner of the Earth.
- Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull.
- Indiana Jones and the Lost City of Gold.
- Indiana Jones and the Quest for the Covenant.

I per últim, una notícia per als aficionats a les vídeo consoles. Ja tenim el tràiler del proper joc d’Indiana Jones que sortirà. Ací vos hi adjunte un enllaç.

Si és tan divertit com els d’Star Wars anem a passar-ho genial. Sols espere que isca per a PS2...

Per cert, el trailer de la pel·lícula: Per al darrer dijous de novembre de 2007. Podrem suportar l'espera...?

The League of Extraordinary Gentleman.

* Contiene SPOILER

Analizamos hoy tres obras en un solo artículo. Se trata de una historia que apreció en primer lugar en el lenguaje del cómic (mediante dos volúmenes) y que, posteriormente, se trasladaría a la gran pantalla originando una película.
The League of Extraordinary Gentleman, es un cómic creado por el famoso guionista Allan Moore (From Hell, V de Vendetta y por supuesto Watchmen), y dibujado por la mano de Kevin O’Neill (Marshall Law). En él, lo que se pretende es recurrir a lo que quizás podríamos definir como la antesala de los superhéroes, para darles la oportunidad de protagonizar una aventura en el mundo de la historieta. Moore, aficionado a la literatura, no duda en adentrarse dentro del género del fantástico y la aventurera de finales del siglo XIX y principios del XX, para rescatar a sus héroes más conocidos y revivirlos mediante el lápiz y el papel.

Guión y Dibujos: Allan Moore y Kevin O’Neill.

El Volumen Uno del cómic, nos narra el reclutamiento de este peculiar grupo de personajes por medio del servicio secreto inglés con la intención de encomendarles una misión especial.
El grupo estará integrado por los siguientes miembros:
- Wilhemina Murray, más conocida como Mina Harker. Exmujer de Jonathan Harker seducida por el vampiro más famoso de toda la historia, Drácula. Ella será la primera integrante del grupo, la que lo reunirá y la que lo comandará. Una mujer de armas tomar dentro de un mundo de hombres, creado por hombres.
- Allan Quatermain. Aventurero inglés conocido por encabezar miles de expediciones en el continente africano, entre las que destaca la búsqueda de las Minas del Rey Salomón.
- Capitán Nemo. Patrón del submarino Nautilus, conocido por sus misteriosas obsesiones y por ejercer como pirata, en alguna ocasión.
- Dr. Henry Jekyll / Edward Hyde. Conocido científico que buscando una fórmula para extraer lo mejor de sí, consiguió bifurcarse en una doble personalidad mostrando su lado más amargo.
- Hawley Griffin. Se convirtió en el hombre invisible y tras fingir su muerte regresa a escena.
Su misión será recuperar la Cavorita, curioso compuesto científico que otorga la capacidad de hacer volar grandes máquinas, de las manos de un misterioso villano conocido con el nombre de El Doctor. De éste, solo conoceremos su origen oriental y su estremecedor color de ojos verde. Un color que, cuanto menos, nos hace pensar que su dueño quizás tenga algo que ver con el mismísimo diablo.
Pero este no será su enemigo final, ya que M, el personaje encargado de reclutarles, por medio del gordo señor Bond, se descubrirá como un doble agente, que a parte de ser una pieza importante del servicio secreto inglés, se nos mostrará en la que realmente es su verdadera piel, la del Profesor James Moriarty, archienemigo del más famoso detective de la historia, Sherlock Holmes.
En fin, un cúmulo de personajes con origen literario para mostrarnos una interesante aventura. Sus defectos, en primer lugar, la mitad de la obra se centra en el reclutamiento de los integrantes de la liga. Se nos muestra a cada uno de ellos con sus características propias, pero los vemos a todos de una forma bastante superficial. Y la resolución del conflicto me parece un poco precipitada, dado lo aparatoso de su presentación.

Guión y Dibujos: Allan Moore y Kevin O’Neill.

El Volumen dos, por el contrario, nos muestra una historia un poco más interesante. El enemigo ahora no es de nuestro planeta, sino que proviene del espacio exterior. Una invasión alienígena proveniente de Marte, ha llegado a la tierra, con la intención de conquistar el planeta. Nuestros héroes, se reunirán ante el cráter del primer ovni, y presenciarán la primera masacre de manos de éste. Poco a poco la historia se irá complicando con la llegada de más ovnis i con el avance de éstos camino de la ciudad de Londres. Nuestro equipo se dividirá a causa de la deserción de Griffin, que hará un pacto con los invasores traicionando a los miembros de la Liga, y propinando una severa paliza al personaje de Mina. Por un lado, Mina y Quatermain irán en busca del Dr. Moreau, un personaje que investiga fusionando animales y otras especies, que teóricamente les otorgará la solución al problema de los invasores. Esta unión, propiciará unos melancólicos amores entre ambos personajes, él ya excesivamente mayor y ella repudiada por la sociedad a causa de su divorcio y de su relación con el vampiro. Por el otro lado, Nemo y Hyde (porque este último ya ha olvidado definitivamente a su otro yo), se encargarán de retener con el Nautilus a los invasores al sur de Londres. Con el regreso de Mina y Quatermain, la historia llegará su fin, no sin cobrarse venganza de Griffin por medio del sadismo de Hyde, y acabando con la vida de los extraterrestres por medio de un virus mortal, creado por Moreau. Esto producirá la desmembración de la liga tomando cada integrante del grupo su propia dirección en la vida.
Parece que, si en el primer volumen se hacia un homenaje al personaje de Sherlock Holmes, de Sir Arthur Conan Doyle, en este segundo lo que se venera es la obra de H.G.Wells, primero con su novela La Guerra de los mundos, con toda la parte de la invasión, y luego a La isla del Dr. Moreau, con la obtención del virus que acabará con los extraterrestres. Por otra parte, encontramos aquí unos personajes más humanos dentro de sus peculiaridades. Mina y Quatermain se hacen amantes, Hyde demuestra todo su sadismo en la venganza con Griffin, y este mismo nos enseña su bajeza traicionando a sus compañeros y pegando a la líder del grupo. Actitudes más o menos bajas, pero sin lugar a dudas humanas. Esto demuestra personalidad, que es para mí, lo que más se echaba a faltar en el primer volumen de esta historia.

2003, Aventura.Director: Stephen Norrington.Guión: James Robinson basado en la novela gráfica de Allan More y Kevin O’Neill.
Música: Trevor Jones.
Interpretación: Sean Connery, Naseeruddin Shah, Peta Wilson, Tony Curran y Stuart Townsend.

La liga de los hombres extraordinarios, la película, podríamos decir que se asemeja bastante al primer volumen del cómic. Al menos en lo que al trasfondo de la historia se refiere, con lo que hace referencia al reclutamiento de los miembros del grupo, y con la traición del encargado de reclutarles. De nuevo M, que también acabará por convertirse en un profesor James Moriarty, aunque bastante más joven de lo que en principio debería ser.
A la liga original se unirán dos nuevos personajes:
- Dorian Grey. Personaje inmortal que hizo un pacto con el diablo para mantenerse joven y que la vejez hiciera mella en su retrato dejando impune a su persona.
- Tom Sawyer. Joven norteamericano, que se une al grupo aportando a este su impetuosidad y su temperamento.
Y en el lado del villano encontraremos a El Fantasma, que a la mitad del film se descubrirá como Moriarty.
La película no aporta nada nuevo, a excepción de la trama, en la que lo que se intenta conseguir esta vez por parte del villano es la esencia de cada uno de los personajes de la liga, para venderla a los países europeos con la intención de poder crear ejércitos de seres invencibles. Una carrera armamentística singular, podríamos decir.
Su director es Stephen Norringthon, a quien conocemos por haber realizado Blade y La Máquina del tiempo. En el papel de Quatermain tenemos a ese grandísimo actor de aventura que es Sean Connery que pondrá las partes más interesantes del film. El resto de actores no son excesivamente conocidos, aunque podríamos destacar el parecido entre Stuart Townsend, que interpretará el papel de Dorian Grey con Johnny Depp.

Como peculiaridades, solamente deberíamos citar la relación de amor/odio que se establece que se establece entre Dorian y Mina, y la paterno-filial que se da entre Quatermain y Sawyer.
El resultado, son dos horas de entretenimiento sin más pretensiones. Gustará principalmente a niños y sobretodo a aquellos que estén necesitados de películas de aventuras, y para los que la presencia de Sean Connery es suficiente para animar una cinta.

En conclusión, una interesante historia que tuvo el mérito de crear Allan Moore, aunque dicho mérito únicamente sea el de reunir a estos geniales personajes, porque lo que es el resto de las tramas viene intrínsecamente unido a estos seres, o a las obras de los que fueron sus creadores. Y con material de autores como Arthur Conan Doyle, Julio Verne, Robert Louis Stevenson o H.G. Wells, entre otros, quién no sería capaz de realizar una buena historia…?

L'home que va poder regnar

* Contiene SPOILER

1975, Aventura.
Director: John Huston.
Guió: John Huston, i Gladys Hill, basat en la novel·la de Rudyard Kipling The Man Who Would Be King.
Música: Maurice Jarre.

Intérpretació: Sean Connery, Michael Caine i Chistopher Plummer.

L’altre dia, per una casualitat va caure a les meues mans aquest clàssic de John Huston, i com que no havia tingut la sort de poder veure’l vaig decidir donar-li una ullada. Quina va ser la meua sorpresa en trobar-me amb una genial aventura que, a més a més, presentava aspectes més profunds del que en un principi semblava i, fins i tot per a mi, una possible segona interpretació.
La història ens narra la vida de dos soldats imperialistes anglesos, Danny i Peachy, al final de les colònies, que en acabar la guerra han quedat una mica desubicats a l’Índia, ja que no resten lluites en què participar, ni terres per les quals batallar. Així doncs, decideixen que van a envair Kafiristan, un país petit en la frontera amb Afganistan, que sembla que es caracteritza per la incultura dels seus pobladors i per les constants lluites entre els habitants dels seus petits llogarets. Així que dit i fet, i després d’un dur viatge a través de mitja Índia i de les muntanyes d’Afganistan, arriben al país on comencen a guerrejar en un petit poble, i mitjançant la instrucció dels habitants d'aquest, i la constància en el treball militar creen un exercit que és suficient per començar a sumir tot el país sota el seu manament.

Tot va bé, fins que arriba un moment en què les gents de Kafiristan confonen a Danny (el personatge interpretat per Connery) en un déu. Açò és a causa de què en un moment de la lluita un soldat li llança una fletxa a Danny, que farà impacte en la seua casaca roja semblant als lluitadors que acabarà en la seua vida, però deixant-lo sa i estalvi gràcies a una protecció de cuir que porta a l’interior de la camisa. I això si, no el confondran en un déu qualsevol, sino en aquell que representarà al fill d’Alexandre el Gran, el darrer conqueridor que va passar per Kafiristan, i que després de casar-se amb Roxanna, una nativa de la zona, va abandonar el país deixant-lo en el caos actual i prometent que en un futur tornaria, o enviaria al seu fill.
La pel·lícula té un ritme fantàstic, poc a poc va avançant i et sedueix de seguida amb la seua història. A més, a més, el divers colorit de les seues nombroses escenes, junt al paper del director de fotografia, ens mostrarà uns paisatges ensonyadors. Cal afegir el fer que els dos soldats anglesos són maçons, i resulta que el signe de la Maçoneria, coincideix amb el d’Alexandre el Gran, cosa que els salvarà la pell en certa ocasió. Açò també serà el punt de partida de la seua relació amb Rudyard Kipling, que també apareix a la història, per a donar-los un rellotge amb dit símbol de la maçoneria i per a contar-nos tota la història per boca de Peachy, l’únic supervivent de l’aventura que al mateix temps li la contarà a ell.
El missatge moral que podrem extraure del film és que si la avarícia no haguera fet als personatges intentar suplantar déus, tal vegada pogueren haver sigut reis i viure tranquil·lament al Kafiristan sense més preocupacions a la seua vida. O sino fugir d’allà amb alguns dels grans tresors que hi troben. Ara bé, és en el moment en què Danny comença a creure’s un déu, és en el qual les coses comencen a anar-se’ls de les mans. I això que el pacte que signen al principi del film no el trenquen per a res:
- Cuidar l’u de l’altre en tots els aspectes, i no abandonar-lo fins al final de la guerra.

- No beure res d’alcohol mentre dure la guerra.
- I no tenir relacions sexuals mentre dure la guerra.

Tot açò per a no crear problemes entre ells, al llarg de la campanya. Però així i tot, l’obsessió de Danny pel fet de creure que s’ha convertit en Alexandre els portarà a la perdició.
El fet més curiós i que em crida la atenció és el següent: I si realment, qui estigués el fill d’Alexandre fora Peachy (el personatge interpretar per Michael Caine) i no Danny? Tots sabem que el conqueridor grec era ros, al igual que aquest. A banda d’açò, qui primer obté el símbol de la maçoneria és ell, ja que li furta el rellotge al personatge de Rudyard Kipling. I a banda d’açò sobreviu a una crucifixió, fet que podríem qualificar de diví o com a mínim de sobrehumà. Podria ser que fora immortal? En cap moment de la batalla és ferit o veiem la seua sang. En fi, no es més que una petita i particular interpretació que he fet i que volia tansmetre-vos.
En qualsevol cas la cinta és molt recomanable, i encara que des d’ací vos l’haja estripada una mica, crec que si podeu aconseguir-la és indispensable que li doneu una ullada. No vos en penedireu.